Diego (Adrian Suar) y Emilia (Julieta Díaz), Richard (Juan Minujín) y Betina (Carla Peterson) son dos parejas amigas. Tienen 40 años y sus vidas profesionales son exitosas. Diego y Emilia, que tienen un hijo de 14 años, llevan una vida familiar idílica. Richard y Betina que no tienen hijos, son más terrenales. Una noche Richard y Betina les confiesan a sus amigos que son "swingers" (intercambio de parejas) y que les encantaría iniciarlos con ellos. Esta confesión despierta las fantasías de Emilia que intentará convencer a un recatado Diego.
El director Diego Kaplan, conocido en Argentina por dirigir series para televisión a lo largo de su dilatada trayectoria, no tiene una excesiva experiencia cinematográfica. Su reseña más destacable fue gracias a la película ¿Sabés nadar? nominada en 1999 como mejor película en el Festival de cine independiente de Buenos Aires. Su éxito vino en verano de 2011 y se diluyó en siete semanas con la aparición en cartelera de Ted. Vamos a averiguar a qué fue debido eso.
Dos parejas muy diferentes con la amistad como telón de fondo. Unos son una pareja abierta sexualmente hablando y los otros son un matrimonio con una felicidad anclada en la rutina. Cuando los "swingers" confiesan que quieren hacer un intercambio de parejas a Diego y Emilia, el mundo de éste se ve amenazado. Amedrentado por su esposa cederá en sus pretensiones, encontrándose con los pros y los contras de las relaciones a 2 bandas.
Hacer una comedia con temática sexual es siempre efectivo, pero pasa una cosa en esta historia: si no fuera por su brillantez escénica, resulta aburrida. Creo que se queda en la anécdota que recurre a tópicos muy vistos y recurridos.
Lo más gracioso del film es el pavor de Diego a la idea del intercambio, una vez cruza la linea, la historia pierde intensidad y los acontecimientos se suceden de una manera rápida, como si el director quisiera sacarnos de la sala con un hasta luego.
Terminar una comedia con estilo se ha convertido en los últimos tiempos en una quimera.Y no porque el producto sea malo, sino porque nos venden "fast film"(cine rápido), como si de hamburguesas se tratara. Uno cree que va a sentirse lleno y acaba con cargo de conciencia por el consumo de algo poco saludable.
Comedia de verano para espectadores sin pretensiones. Juzguen ustedes mismos
Estreno en España: 1 de mayo de 2013
NOTA:5
LO MEJOR:Hablar de sexo sin tapujos
LO PEOR:hinchar una historia que al final no saben explotar
El siempre controvertido empresario Tony Stark, conocido como Iron Man se enfrenta a un enemigo cuya maldad no tiene fin. Cuando Stark comprenda que ha destruido su universo personal se embarcará en una aventura donde la "vendetta"está asegurada. Tendrá que luchar con su ingenio y su instinto para salvar a los que más quiere.
Cuando uno se documenta y descubre que Shane Black, director de, sin duda, la mejor de las partes de Iron Man, es responsable de la ingeniosa Kiss Bang Bang, con el mismo protagonista, uno se lleva una grata sorpresa. Con ese film hizo su debut como director en 2005 y desde entonces nada más se supo. Sin embargo, el talento de Shane viene de lejos. Guionista de Arma Letal y El último boy scout, entre otras. Además de aparecer como actor en Robocop 3, depredador entre otras.
Tenemos ante nosotros un polivalente, cinematográficamente hablando. Siempre relacionado con películas de acción, no es extraño por tanto que Iron Man 3 haya cosechado tantas buenas críticas. La experiencia de Shane Black tiene mucha culpa de ello.
Voy al cine porque me declaro fan del personaje de Iron Man, no de todo lo que hace Marvel, ya que las decepciones las cuento por decenas. Me sorprendo del comienzo, porque las historias entrelazadas me gustan. Para entender la historia hay que quedarse con el principio, es la base del film.
A medida que la película avanza no puedo evitar agradecer la acción trepidante y los desequilibrios emocionales del personaje, que lo hacen más humano. Stark ha evolucionado, conserva su prepotencia, su egoísmo y su narcisismo pero es consciente que necesita a los demás y que las personas que quiere son su eje central en su vida.
Los toques de humor se suceden y lo que siempre ha resultado petulante se convierte en tierno y entretenido. Lo que hasta ahora era siempre algo lineal y asquerosamente previsible, es ahora adrenalina en estado puro y giros que lo convierten en tiras cómicas.
El guionista y editor Stan Lee junto con Larry Lieber Don Diablos y Jack Kirby, creadores del personaje original, seguro que lo ven reflejado como yo.
Cuando todos estos ingredientes se dan en una adaptación, siendo respetuosa y superando expectativas, sólo cabe disfrutar. Diálogo ágil y gags inteligentes y necesarios evitan lo de anteriores partes que, por momentos, se convirtió en pesadumbre y una paliza. Aparecen nuevas ideas y acción a raudales, trajes futuristas que hacen que se rompa con la linea de la franquicia.
Los fans tienen cita en su cine más cercano. No desaprovechen la oportunidad de disfrutar del viaje más personal de Stark y los suyos. Cuando el enemigo te ataca en tus emociones, la "ansiedad" puede ser el peor de tus consejeros.
NOTA:7
LO MEJOR: El humor del personaje, la intuición, la inteligencia. Cautivadora Gwyneth Paltrow, su atractivo llena la pantalla
LO PEOR: El personaje del Mandarín, necesario pero prescindible.
Claudio es un albañil muy enamorado de su esposa y espera la llegada de su tercer hijo. Sin embargo, el destino le guarda un duro golpe, afrontará su injusticia personal que se ha cernido sobre él.
Daniel Luchetti después de un lustro sin saber de él, con su obra "Mi hermano es hijo único" reaparece con un trabajo si más no complicado. Esta coproducción italiano-francesa destaca por la nominación de Elio Germano (Claudio) en los premios del cine europeo en 2010 y por el ganar en la categoría de Mejor actor en el Festival de Cannes. Esto es lo más reseñable en cuanto al film de Luchetti se refiere.
Es fácil crear una historia con tintes dramáticos pero sin embargo, lo difícil es desarrollarla. Bajo mi punto de vista hay dos partes claras en la historia, como si de un partido de fútbol se tratara. En la primera parte hay una radiografía de la felicidad, con carácter costumbrista, la vida de cualquier familia italiana. Uno se siente participe de sus historias, de su amor y de su dicha.
Es justo en ese punto en que pensé que la historia podía y debía ir a más. Pero cuando aparece la parte jugosa del film es justo cuando se deshincha la historia. El personaje muestra su parte más fría y se muestra materialista, insensible y por momentos dantesco. Todas mis simpatías desaparecen y los secundarios no ayudan. Todo gira en torno a él, su vida me empieza a resultar previsible. Su familia está cuando lo necesita y él se aventura en la construcción con un proyecto que debe salir a flote. ¿Os aventuráis a ponerle un final? Seguramente acertáis.
Creo que lo único que despierta mi interés es la maravillosa versión original que junto con la soberbia interpretación de Elio Germano dan algo de sal a la historia. Pero para los sensacionalistas que me leen, me dirán que me quedo en lo visible. Es por eso que voy a ir a lo invisible, mostrar las miserias humanas cobra sentido cuando la moraleja llena tu mente y tu corazón y hace de este film algo memorable.
Mientras tanto, seguiré pensando que es una historia entretenida pero que no pasará a los anales de la historia del cine europeo.
Sería injusto no subrayar como leit motiv de optimismo en estado puro la frase "e la vita continua anche senza di noi", de la canción de Vasco Rossi, Anima Fragile. Con una escena que pone la piel de gallina, genial. Sin embargo darle un final rápido y sencillo, lo hace grotesco.
NOTA: 6
LO MEJOR: Que muestra una realidad actual, conocida por muchos.
LO PEOR: Sigue mi reivindicación y seguirá hasta que los films lleguen cuando tengan que llegar. Un film de 2010, llega a nuestras pantallas en 2013, menos mal que es europea!
Tras un divorcio difícil, Lucas, de cuarenta y tantos ha encontrado la clave para redirigir su vida, una nueva novia y restablecer la relación con su hijo. Pero algo se tuerce, un comentario infantil, una mentira alimentada que se convertirá en estigma en su vida. La desconfianza y la duda correrán por el pueblo. El protagonista debe luchar por restablecer su honor y las dudas que recaen sobre él. Thomas Vinterberg, joven cineasta de 43 años que, a pesar de su juventud, cuenta con un amplio registro fílmico. Con tan sólo 19 años fue aceptado en la Danish Film academy (Academia de filme Danes). Ya en su primer cortometraje, cosechó numerosos premios hasta ser nominado a los Oscar en 1994. En 1995 fundó el movimiento Dogma 95 junto con Lars Von Trier, Kristian Levring y Soren Kragh-Jaccobsen, con el que se buscaba recuperar la pureza del cine estableciendo estrictas reglas para simplificar la producción de películas. Esta propuesta tuvo éxito y repercusión pero se disipó con el tiempo.
Cuando uno se sienta en la butaca del cine y echa un ojo a la cantidad de gente que va a ver esta película, sabe de buena tinta que la apuesta es segura. Y no por la afluencia masiva de público, que no es tal, sino porque Mads Mikkelsen hace una interpretación soberbia, sin fisuras, algo que no deja indiferente. Pero vayamos por partes, Lucas es un cuarentón divorciado que está restableciendo su vida, volviendo a creer en el amor, con "buenos amigos" y con un hijo que quiere estar con él. Trabaja en una guardería y tiene una relación cargada de afecto con los niños/as que confluyen. Ese va a ser su castigo, una directora de guardería insensata saca tajada de la mentira "inocente" de una niña y le acusa de abusos sexuales, transformando la vida de Lucas en un calvario. Si a eso le añades que la niña es la hija de tu mejor amigo, la crisis se agrava.
A partir de ahí, empieza la lucha por frenar la duda, la cruz del culpable, como si de la peste se tratara, corre como la pólvora, sin escrúpulos, sin sentido y con un sentido de la justicia inquisidor. Film de sensibilidad extrema, cargado de metáforas. Hay un aluvión de planos cortos y largos que acentúan la intensidad del film. Para muchos lento, y para los que amamos el cine es un registro de matices. Pasando por la soledad más sombría, la mirada más turbia reflejada en Lucas, la pesadumbre de la mentira y la sombra de la duda que planea a lo largo de la película. Las localizaciones son dignas de un cuento de Navidad, donde la parte más amarga del ser humano se alimenta de la deshonestidad y la desconfianza, como si de copos de nieve se tratara tergiversan una realidad simple y carente de maldad. Aderezado con una banda sonora sin altos ni bajos,simple pero efectiva. Te llega a lo más profundo del estómago,te revuelve en tus emociones y te mantiene tenso hasta esperar su desenlace. No seré yo el que haga de "spolier", pero su final metafórico me pareció un broche de oro, sin florituras, sólo con la dignidad que merece el personaje. A los amantes de los sentimientos oscuros casi negros, nos provoca y nos sabe llegar. La cacería está servida y los cazadores a la postre pueden ser los cazados.
NOTA: 8/10
LO MEJOR: Su sensibilidad y el registro de emociones que hacen de Vinterberg un cineasta diferente. Cannes no suele equivocarse. LO PEOR: Que el doblaje al castellano sea tan flojo y haga del film algo soporífero por momentos. Cuando es de todo, menos eso. LINK: http://www.peliculaver.com/2013/04/ver-pelicula-hunt-la-caza-online-gratis.html
Tras instalarse con su familia en un barrio de las afueras de París, Laure, una niña de diez años, aprovecha su aspecto y su corte de pelo para hacerse pasar por un chico. En su papel de Michael, se verá inmersa en situaciones comprometidas; por ejemplo, Lisa, una chica del grupo, se enamora de ella. ¿Cuáles serán las consecuencias cuando se descubra su engaño? Céline Sciamma, joven cineasta que ya logró sorprender con su film "lirios de agua" nos hacia una radiografía del nacimiento de la feminidad. En está ocasión, no le tiembla el pulso a la hora de rodar una historia valiente, llena de emoción y sentimiento. El título del film "Tomboy" se refiere a las niñas o chicas jóvenes a quienes les gusta vestirse y comportarse como chicos. Pero más allá de etimologías, hay una carga emocional que se palpa desde el minuto 1 de la historia. Miles de preguntas asolan mi mente, pero no soy yo el que debe planteárselas, el personaje va a desvelarme sus pensamientos. Su familia es idílica con una hermana cargada de ternura,un padre atareado y una madre a punto de dar a luz a su tercer retoño. Pero Laure,ahora llamado Michaël ,se siente diferente, sabe que el sentirse hombre debe ir acompañado de genética. Sin embargo, no tiene reparos puesto que sabe que es quien es. La mentira existe sólo en el nuevo mundo que se le plantea, sus nuevos amigos no se percatan de la situación. Para todos es Michaël, se siente nacida libre, es quien es porque quiere serlo. Es consciente de que su físico puede mantener la mentira. Hay tanta inteligencia emocional en cada fotograma, que uno siente que la ternura de los personajes va a atravesar la pantalla y van a a transformar la inocencia de un niño en la felicidad plena del personaje. Pero la realidad no superará la ficción, tan sólo nos provocará una sonrisa. Sutileza y elegancia en un film no apto para mentes retrogradas. Sino para personas que saben escuchar y interpretar, para esos que cada día quieran aprender de las emociones,Tomboy es su película. LO MEJOR:Que puedan hacerse películas con tanto tacto y tanta delicadeza, la normalización es un hecho. LO PEOR: Que pase sin pena ni gloria por nuestras carteleras y encima llegue tan tarde NOTA: 6,5/10
Ambientada en el mundo de la psicofarmacología, ciencia que estudia como afectan las drogas a la mente humana. Emily (Ronney Mara) es una joven que se vuelve adicta a un nuevo medicamento que le receta su psiquiatra (Jude Law) que se la proporciona para poder manejar su ansiedad por la inminente liberación de la cárcel de su marido, Martin (Channing Tatum)
El siempre inquietante Steven Soderbergh nos presenta una historia simple en su exposición pero compleja en su definición.Como si de un temerario se tratara, vuelve a mostrarnos un mundo para muchos conocido y para otros, como es mi caso, desconocido. Aquí no solo se habla de la mala praxis por parte del psiquiatra de turno, se va más allá. Soderbergh es un maestro en crear ambientes tensos, cargados de misterio, y aquí crea una trama al alcance de mentes despiertas.
Confieso que esperaba con ganas durante semanas este film y no me ha decepcionado para nada. Me encantan los giros en la historia, el "descoloque" que produce la historia y los entresijos de la mente humana con sus pros y contras producidos por la ingesta de fármacos de dudosa reputación.
Podría ser una denuncia social, pero él va más lejos. ¿Qué pasaría si mi psiquiatra fuera el culpable de lo que yo hago?
Destacable Jude Law que no es tan sólo el psiquiatra, es el consejero, el detective, el que desengrana el camino de los "efectos secundarios". La sobria Catherine Zeta Jones es la segunda en discordia y la que siembra la duda durante toda la historia. Entiendo que Soderbergh quita el cliché a Chaning Tatum, con el personaje de Martín; lo enfunda en un traje y nos muestra un actor que puede ser más que un icono sexual.
Decepcionante bajo mi punto de vista Ronney Mara en el personaje de la paciente problemática. Tengo la sensación que veo un zombie, no una persona con un fuerte problema emocional.
Si algo tiene la versión original es que desnuda los personajes y en la historia quien menos brilla es ella. Sin embargo, no decae la intensidad y la perseverancia de Jude Law que cumple con el requisito principal de la cinta, sorprender.
Uno llega a sufrir una fuerte animadversión a los fármacos, pero el letargo de ellos se contagia y nos hace sentirnos perdidos en un mar de dudas, pero Soderbergh en 10 minutos finales épicos nos disipa todas las dudas hilando todos los rotos, como si de una aguja clínica se tratase.
LO MEJOR: Creer que vas a ver una historia de intriga y acabar viendo una historia integrante.
LO PEOR: Que no podamos ver a Catherine Zeta Jones en más películas, se sale de la pantalla, arrebatadora.
Albert y Anna no tienen dinero, además él está postrado en una silla de ruedas. A pesar de todo, se han propuesto viajar de Barcelona a Nueva Zelanda. Si uno de los críticos del Hollywood Reporter te dice que es una de las mejores 10 películas del año debes creerlo. Si además viene avalada con premios uno se entusiasma con lo que va a ver. Ganadora en el Boulder International Film Festival como mejor documental. Y ganó el "docu award" y quedó tercera en el Premio del Público, en el que competían más de 300 documentales. Su director, Marcel Barrena, debutó en el cine con la película de televisión "Cuatro estaciones", con la que ganó un premio Gaudí y el premio a Mejor película y Mejor director en el festival de Alicante. Fue colaborador en la revista Fotogramas durante más de 10 años. Es uno de esos jóvenes talentosos que sabe lo que quiere explicar y cómo hacerlo. También colaboró en programas de éxito en la televisión catalana con el archiconocido "Alguna pregunta més"(APM). Soy consciente de lo que voy a ver cuando me siento en la butaca del cine, un documental minoritario con un público acogedor, que valora el cine de matices y que desea tanto como Albert hacer el viaje desde Barcelona a Nueva Zelanda, más concretamente a East Cape, donde se encuentra un remoto faro. Observo a Albert Casals y su historia. Con tan sólo 5 años sufre leucemia hasta llegar a la parálisis en sus piernas. Me encanta la yuxtaposición permanente entre pasado y presente, me hace entender más su vida, sus sentimientos y su esencia. Como dice su padre, el cuidarle intelectualmente es clave para que nazca esa inquietud por viajar, por sentirse libre. Podría ser una historia de amor, porque su novia Anna Socias es esa compañera ideal que encaja con él, pero es más bien la superación lo que la hace diferente. No hay silla de ruedas en el amor de esta pareja, sólo hay ganas de ser feliz cumpliendo una pasíón que se contagia en Anna y en todos los que vivimos la historia. Nos muestra que viajar te enriquece, que la gente es participe de tu felicidad y no pone escollos, que tan sólo te ayuda y es cómplice de ello. Por eso, por donde pasa deja huella, amigos, historias y lecciones de vida. En cada punto por el que viaja Albert, uno siente que está en una "Road Movie", que las limitaciones las ponemos nosotros, que querer es poder y que el futuro no importa si no vives el presente. Esa es la premisa. El "run run" en mi estomago hace estragos, lo siento pero me he inmiscuido demasiado en el film, he quedado atrapado por su felicidad. Yo no veo un joven en una silla de ruedas, sino un joven que sale con 20 euros de casa y sabe que haga lo que haga va a tener una mano tendida, una casa para comer y una cama para dormir. El optimismo se ha apoderado de mi, lo confieso. Termina el documental y nace un espontaneo aplauso que crece como mi sonrisa, no soy el único que ha sufrido la catarsis, el mundo está lleno de aventureros. El viaje de punta a punta del planeta no seria posible sin la maravillosa banda sonora compuesta por Pau Vallvé, con un solo de guitarra y una tenue voz uno consigue sentir la brisa de los lugares a los que viaja Albert.
LO MEJOR: Que no sea una historia de ficción, que existan historias como esta LO PEOR: El sentimiento de que tu vida no es como quieres,sino como te dicen que debe ser.
NOTA: 8
CURIOSIDADES
El viaje duró 8 meses y en ese tiempo estuvo a punto de morir.Hace unos años ya se escribió un libro sobre su vida que se llama "El mundo sobre ruedas",además de escribir un segundo que se llama "Sin fronteras".
Un grupo de surrealistas pasajeros viaja a Ciudad de México en un avión cuya tripulación es absolutamente un esperpento. Durante el vuelo,una gran avería hace que los pasajeros,al verse al borde de la muerte,se sientan inclinados a revelar los asuntos más íntimos de su vida. Todo ello desembocará en una comedia caótica y disparatada. Hablar de Pedro Almodóvar para mí es hablar de un maestro de la sensibilidad, de una mente abierta capaz de abordar temas peliagudos y salir airoso de cada uno de ellos. Yo crecí con tacones lejanos y fui creyendo que Almodóvar era alguien diferente y valiente. Después de ver este film siento que el listón ha bajado por mucho que seas capaz de reunir a los mediáticos Penélope Cruz y Antonio Banderas, aunque sólo sea para 5 minutos.Y además consigues reunir un elenco donde combinas juventud con experiencia, el cóctel debería ser efectivo. Sin embargo, Almodóvar provoca el efecto contrario. Me parece perfecto que se desarrolle en un avión, es justo ahí donde, con una buena historia, puedes sacar mucho jugo. Lo que no tiene ningún sentido es que un vuelo dirección México se convierta en una comedia vulgar aliñada con sexo explícito, con menos gusto que una película porno. Uno, en las películas de Esteso y Pajares, sabía lo que iba a ver, en cambio, uno cuando paga la entrada por esta historia se siente estafado. No puedes crear historias rocambolescas y hacerme creer que las gallinas vuelan o que la gente cura sus penas diciendo burradas constantes y sin sentido. Entiendo que querías hacer una película de este estilo hace tiempo y me parece perfecto, pero no me hagas creer que eres un gay sensible y capaz de pasar de emocionarme a provocarme arcadas con escenas dignas de Rocco Sifreddi. Si yo fuera gay me sentiría ofendido. Si hacer comedia es mostrar la promiscuidad, la vulgaridad y lo soez, yo no quiero ese cine. Hoy insultaste la inteligencia de los que muchas veces te definimos como brillante. Si quieres vender un producto de comedia made in USA, con caca y pedo como telón de fondo, véndelo claramente como hacen ellos, pero no lo manipules, porque eso lo único que hace es provocarme la indignación que tengo. Creo en el cine español y películas como esta son las que me hacen difícil defenderlo. Esto no es entretenimiento, es mediocridad. Volver a los años 80 con lo peor de los 80. Sé que estabas harto del drama pero cuidado, de la comedia al drama hay un paso.
NOTA:4 LO MEJOR: La escena de los azafatos escenificando una canción de renombre LO PEOR: Que lo mejor de la película sea única y exclusivamente una escena y eso provoque un taquillazo, me consuela, ha picado más gente.
CURIOSIDADES Se rodó en el aeropuerto fantasma de Castilla la Mancha. El uniforme de los TCPS está diseñado por David Delfín. Recuerda a los uniformes de las camareras de los años 60. La bicicleta azul que usa Ruth,es de la marca Peugeot y es una bici eléctrica customizada. El nombre del avión es "Chavela Blanca",es un homenaje de Almodóvar a Chavela Vargas
La vida del joven profesor Jesse (Josh Radnor) sufre un cambio considerable en el momento que recibe la llamada de un viejo amigo que fue su maestro.Volverá para la jubilación de este y allí conocerá a Zibby (Elisabeth Olsen), una estudiante de 19 años, tendrá que luchar con la atracción que surge entre ellos. El director Josh Radnor más conocido por la serie "Como conocí a vuestra madre" nos presenta su segunda película que fue la que inauguro el festival de Sundance. Sus comienzos fueron "Happy thank you more please". Allí ya empezó a cosechar el éxito que se consagrará en su segunda película con una faceta difícil, interpretar y dirigir. Jesse es un profesor de 35 años con una vida profundamente establecida y sin motivación alguna, pero todo cambia en el momento que recibe la llamada del que fue su maestro en la universidad. Acude no tan sólo a la jubilación de su ex-profesor sino también al reencuentro con lo que fue su adolescencia. Zibby será la perfecta muestra de que la inteligencia, la frescura, la pasión y la amistad siguen latentes en Jesse. En eso momento se establece una perfecta conexión entre los personajes que alcanza su punto más álgido cuando hay tertulias literarias o de vida. Cada uno desde su perspectiva y con prismas distintos ofrecen una ventana abierta al amor. La parte moral afectará a Jesse y le llevará por distintos derroteros. Una cinta independiente con pensamientos y momentos que todos hemos sentido, yo cuando la veo, me la creo. El personaje de Zack Efron que todos tenemos en mente como el eterno "guapete" de "High School Musical" logra algo que lo eleva a la categoría de actor que no es más que salir del encasillamiento al que él solito se ha sometido. Es ese personaje que en algún momento se ha cruzado en nuestra vida y que la única pretensión que tiene es que esbocemos una sonrisa. La pequeña de los Olsen está brillante y enamora al espectador, su mirada, su sonrisa, su ternura... La generación de las Dakotta Fanning y compañía pisa sin prisa pero sin pausa, empieza a ser una costumbre sus apariciones en films independientes. No esperéis una comedia romántica previsible, simplemente sentaros y imaginaros que viajáis a vuestra adolescencia. La realidad no supera a la ficción. La banda sonora tiene una particularidad que no quiero desvelaros, sólo os diré que es parte de la esencia del film.
LO MEJOR: Que vuelva aparecer el secundario fetiche de Josh Radnor, que es el profesor jubilado (Richard Jenkins) LO PEOR: Que las historias con fondo y forma se pierdan en la cartelera,espero que no tengan nada que ver las horrorosas traducciones que cada vez se parecen más a las latinas NOTA: 6,5
LINK: http://peliculasfox.com/amor-y-letras
CURIOSIDADES Para esta segunda película Josh Radnor se traslada a los lugares de su juventud,ya que Liberal Arts ha sido rodada en gran parte en la Universidad de Gambier (Ohio) donde el cineasta estudió. En octubre tuve la oportunidad de ver esta película en el festival de cine independiente de Tarragona (Rec),al final llego a tiempo pese al huracán Katrina, aprovecho para publicitarlo porque creo que los festivales hechos con cara y ojos,con pocos recursos y con el respaldo del público pueden mantenerse,estuvo a punto de no celebrarse.
Para la joven Carolina Matilde (Alicia Vikander), casada siendo una adolescente con el rey de Dinamarca Christian VII, es un horror vivir con un marido esquizofrénico (el rey loco). Así, Carolina se rinde a los encantos del médico personal del rey, un intelectual progresista (Mad Mikelsen) que será dividido entre su lealtad al rey, su amor a la reina y su oportunidad de convertir una Dinamarca medieval en un país ilustrado. Posiblemente de todas las películas que se presentaron a los Oscars sea la que más desapercibida pasó debido al efecto Amour. El director Nicolaj Arcel es más conocido por ser el guionista de la archiconocida saga Millenium de Stieg Larsson y el asesor dramático de Lars Von trier. Una cinta que viene precedida de triunfos en todos los festivales que ha pasado, desde el Oso de la Berlinale al mejor guión y mejor actor Mikel Boe Fosgard como el rey "loco", a nominaciones por doquier en la mayoría de festivales que fue presentada. Ambientada en el siglo XVIII, conocido como el siglo de las luces, se presenta la historia de la joven Carolina Matilde, una noble inglesa arruinada y casada por interés con el excéntrico "rey loco", cuyos únicos intereses son las fiestas y las fulanas. Eso no pasa desapercibido para su consejo de ministros que lo utiliza como títere para que firme leyes absolutistas que sólo hacen ahogar el pueblo en la más absoluta represión. Sin embargo, el ilustrado Struensee, influenciado por las ideas de Voltaire, se erige además de en el médico personal del rey en su fiel amigo y consejero. Él con su astucia y pericia encaminará el país hacia otra cruzada totalmente distinta a la vivida. El debate más dificil en la vida de Struensee será la historia de amor con Carolina Matilde ya que le acarreará problemas en su concepto de vida, poniendo en riesgo los cambios en su nación y su felicidad personal. La ambientación es perfecta, sin estruendos, con la carga justa y necesaria para hacer de esta historia real algo creíble. Muy fiel a la historia se nos plantea algo más que una historia dramática. La banda sonora es el buque insignia de este film donde la fuerza musical palpita en cada diapositiva. No es fácil que en 143 minutos uno se sienta parte de la historia, atrapado en los sentimientos y ideales. El espectador hace un viaje por la Dinamarca en pleno siglo de las luces, de manera paulatina con sólo un afán, dar a conocer uno de los puntos de inflexión de la historia de un país. Se podría reprochar que la adaptación de Carolina Matilde no se ajusta a la realidad pero uno entiende que esto es un producto y que hay que venderlo y, señores/as, una joven entrada en carnes no vende.
LO MEJOR: La recreación histórica y sobretodo la del "rey loco" para muchos grotesco y esperpentico, para mi el fiel espejo de un esquizofrénico. LO PEOR: La inexpresiva cara de Alicia Vikander (Carolina Matilde). No pongo en duda sus recursos interpretativos, pero no creo que fuera una infeliz permanente. NOTA:7,5
CURIOSIDADES El director Arcel apunta lo difícil que es hacer una película de época con un presupuesto danés. El vestuario, las pelucas, los caballos, el lenguaje arcaico... otra faena fue buscar el castillo idóneo para el filme, que fue rodado en la República Checa y Alemania. Necesitábamos el viejo color arena del palacio Christianborg,-explica Arcel- y lo encontramos en Dresde. Pero el principal problema con la recreación de esta historia de época, según ha revelado el director,fue la iluminación de las escenas nocturnas: "Creo que usamos todos los abastecimientos de velas de Praga, durante las siete semanas que estuvimos allí". El desenlace se ha presagiado ya con la alusión que en el film se hace a la muerte de Arturo y los amores de Sir Lancelot, caballero del Rey Arturo. Juzguen ustedes mismos las caras reales con las de la adaptación:
Con el objetivo de hacer reír a Tommy Lee Jones empezó una gala cargada de números musicales y, por lo demás, poco arriesgada. Un Seth MacFarlane que ni fu ni fa, que seguramente no pasará a la historia como uno de los mejores presentadores de los Oscar, pero tampoco como uno de los peores. Aún así mantuvo un buen tono, con algún que otro gag bueno y con George Clooney como uno de sus blancos. Hubo momentos para todos los gustos. A diferencia de unos Goya cargados de reproches, me gustó ver la inexistente carga política de dicho evento, cosa que denota el valor que tiene el cine en Los Ángeles. Se hicieron gags sobre cine, canciones sobre cine y parodias sobre actores. La vida política no tenía cabida en una gala blanca. La gala se iba teñiendo de típicas americanadas, desde un número musical sobre las tetas de las actrices a cómo parodiar el acento de los actores hispanos. Fue, sin duda, uno de los Oscars más repartidos de los últimos años, cosa que me alegra. Cada una de las películas nominadas tenían su punto fuerte y también su punto débil. He de confesar que mi mayor temor horas antes de la gala era que Lincoln se llevara gran parte de los premios. Pero pasó de ser la gran favorita a ser la gran perdedora en cuestión de tres horas. Un film de línia clasicista y de matiz político que lo tenía todo para ser la película más votada por los académicos y que se quedó con un premio a Mejor actor, que no es poco, rompiendo así la famosa maldición de Spielberg. La noche más oscura casi se va de vacío, y me parece genial. No es una gran película. Quizá la academia no ha perdonado tal apología de la tortura para conseguir las cosas. Lo que está claro es que lo único merecedor de un premio en ese film es una maravillosa Jessica Chastain, que cada día me agrada más y que estaba especialmente preciosa esa noche. Pero estaba difícil, sus competidoras de nominación eran muy fuertes. La pregunta que me aborda inmediatamente después de la ceremonia es qué película ha sido la gran ganadora. ¿La vida de Pi por llevarse 4 Oscar? ¿Argo por llevarse el premio a Mejor película? Desde luego, fueron las dos mejores. La vida de Pi en su parte técnicaes merecedora de dichos premios. A mí me sorprendió el Oscar a Mejor Director a Ang Lee, sinceramente creo que había otros más merecedores de este. Argo se llevó el premio gordo, con un Ben Affleck que no se lo creía ni él y dedicando estas palabras con el objetivo de zanjar cualquier polémica: "No puedes guardar rencor. No se debe guardar rencor. Lo único que importa es que tienes que levantarte". Cabe destacar un Tarantino en éxtasis tras un premio tan merecido como el de mejor guión por Django Desencadenado. Por supuesto, también un genial Christoph Waltz del que nadie se esperaba el premio, y que se llevó su segunda estatuílla en cuatro años con unas maravillosas palabras dedicadas a su gran descubridor: "Tarantino escribe poesía y yo amo la poesía".
Tarantino dijo cuando recogió el premio a Mejor Guión que era el año de los guiones, de los escritores. Es muy cierto, pero a mí me gustaría añadir que también es el año del cine independiente. Que films como El lado bueno de las cosas, Bestias del sur salvaje o Amour estuvieran en esta gala era impensable hace años. Por fin se empiezan a dar cuenta que el cine independiente tiene calidad. Por lo que se refiere a Los Miserables, el Oscar de Anne Hathaway era tan previsible como esperado. Daba igual las actrices que compitieran con ella, estaba cantado. El mejor momento de esas tres horas y media fue, sin duda alguna, el número en el que aparece todo el elenco del musical interpretando cantando un medley de los temas de la obra. Fue un momento que iba en crescendo, que ponía los pelos de punta y que demostraba el talento de unos actores que cantaron en directo durante el rodaje.
Lo más gracioso: la caída de Jenniffer Lawrence. Lo más ridículo: el vestido de Anne Hathaway Lo más emotivo: el número musical del elenco de los miserables Lo más despectivo: la parodia del acento inglés de Bardem, Pe y Salma Hayek. Lo más vergonzoso: las pintas de Kristen Steward. Lo más esperado: el Oscar de Anne Hathaway Lo más inesperado: la derrota de Lincoln. Lo más previsible: el Oscar a Mejor Actor de Daniel Day Lewis
PALMARÉS:
Mejor película: Argo
Mejor actor: Daniel Day-Lewis, "Lincoln"
Mejor actriz: Jennifer Lawrence, "El lado bueno de las cosas"
Mejor actor de reparto: Christoph Waltz, "Django desencadenado."
Mejor actriz de reparto: Anne Hathaway, "Los Miserables"
Mejor director: Ang Lee, "Vida de Pi"
Mejor película extranjera: "Amour"
Mejor Guión Adaptación: Chris Terrio, "Argo"
Mejor Guión Original: Quentin Tarantino, "Django desencadenado"
Mejor película animada: "Brave"
Mejor diseño de producción:"Lincoln."
Mejor cinematografía: "Life of Pi,"
Mejor mezcla de sonido: "Los Miserables"
Mejor edición de sonido: Empate entre "Skyfall," "La noche más oscura"
Mejor partitura original : "Vida de Pi," Mychael Danna
Mejor canción original: "Skyfall," Adele y Paul Epworth
Después de convivir durante 6 años y tener una hija, Dean y Cindy han decidido casarse, pero entonces su amor empieza a desmoronarse. Intentando salvar la relación, Dean propone ir a pasar la noche a un hotel temático, donde eligen la "habitación del futuro". A partir del futuro, se narra la historia de la pareja, desde el momento de su encuentro hasta la irremediable crisis de su matrimonio. Estrenada a finales de 2010 en 4 salas de EEUU pero con una más que respetable recaudación y cosechando críticas positivas en los distintos festivales dónde se presento,paso por Sundance, Toronto y, más tarde, en nuestro país. Es de esas películas que pasa desapercibida y que después de 2 años llega a nuestros cines. Con tan sólo 23 años el director Derek Cianfrance tuvo su debut en Sundance donde fue elogiado como el debutante novel más sorprendente y de allí catapultado a más de 30 festivales. Con estas premisas sólo podemos esperar un film que capte nuestra atención. Retrato necrológico del matrimonio. Dean y Cindy son una pareja profundamente enamorada, una relación sin fisuras con una hija que magnifica a Dean como padre, pero no lo hace mejor esposo. El desgaste de los años hace mella en la pareja y provoca distancia. Para enmendarlo Dean decide llevar a Cindy a un hotel temático donde fomentar la comunicación. Lo que sucede a partir de allí es un viaje de los personajes del pasado al futuro. Allí el espectador tendrá una visión de pareja que ayudará a entender los personajes y sus pormenores. Torrente emocional cargado de un profundo análisis de pareja, desde el apogeo a la decadencia. Uno siente que ha pasado por cualquiera de esos estados,que viaja como los actores y que luchan por ser felices. Se agradecen las interpretaciones de Ryan Gosling y Michelle Williams, debo confesar mi rechazo por el primero que ha quedado subsanado gracias a su interpretación. En cambio, de la segunda, no seré yo quien descubra su excelente calidad artística, llena la pantalla y llega al espectador Situaciones reales con personajes creíbles, a veces uno no dispone de soluciones a los problemas emocionales, por eso lo mejor es desengranarlos, sin más, así es "Blue Valentine".
LINK PARA VERLA http://www.peliculas4.com/ver-blue-valentine-2010-online-15-2607.html
LO MEJOR: poder sentirse identificado con los personajes y sacar conclusiones LO PEOR: la banda sonora, debería impregnar el film y lo hace en pequeños momentos NOTA: 7
CURIOSIDADES
- Película en la que se invirtió un millón de dólares y se recaudaron 12 millones.
- Hubo un día en el que rodaron en un autobús (el encuentro entre Dean y Cindy) y tuvieron un arco iris que viene de la nada, "sé que suena cursi, pero realmente uno siente que estás haciendo lo correcto en el momento adecuado", comenta el director.
- El inicio del rodaje estaba planificado para principios del 2008 pero se pospuso por la muerte de Heath Ledger, novio de Michelle Williams. Los productores decidieron retrasarlo por respeto a ella y porque no querían otra actriz; buena apuesta y buen gesto.
Cuando me senté frente al televisor después de ver pasear a los actores con sus modelitos, ellas escotadas y ellos entrajados, pensé que no teníamos nada que envidiar a otros premios. A medida que los exagerados y estresados periodistas iban entrevistado uno por uno a los nominados, me percaté que la situación social que vivimos iba a dejar a un lado la fiesta del cine español. Apareció la monologuista Eva Hache, que debo decir que no me entusiasma pero que imaginé que con todos los temas que tenemos encima de la mesa iba a hacer uno de sus mejores monólogos y así fue. Reconozco que aplaudí como un friky y que tuiteé con efusividad. El efecto reivindicativo me había poseído, pero justo ahí sentí la tristeza de ver que la fiesta se iba diluyendo, como mi entusiasmo. Cuando los 10 "cabezones" de la "The artist" española hicieron acto de presencia sentí la impotencia de que todo está establecido. La relegada "El artista y la modelo" se queda injustamente sin premios por el efecto "Blancanieves". Por mi parte, creo que está sobrevalorada y que el público no esta preparado para la epístola taurina. Tengo que decir que no nominar a una pistola en cada mano me parece un sacrilegio, porque sin duda, es una película con un excelente guión y un elenco formidable. Es penoso que la academia la relegue al más absoluto olvido. Justos son los 5 goyas para" Lo imposible", premio que acabará dónde empezó todo, en el fondo del mar. Con un Bayona poseído por la emoción en el premio a la mejor dirección, tanto lo estaba que, al ir a entregar el premio a la protagonista real de su film, tuvo un traspié y le provocó una rotura fibrilar, ¡¡poca broma!! Todo esto le da una idea a uno de lo que fue la gala, que fue de más a menos, con un número musical al Goya honorífico que provoca vergüenza ajena, y pasando por la bochornosa humillación que pasó el equipo de "Els nens salvatges". Un intercambio de sobres hizo que fueran premiados durante un minuto, justo el tiempo en el que se dieron cuenta de la "gran cagada" de la noche. Recibieron unas disculpas poco educadas que sirvieron para que el equipo de los no premiados abandonaran sus butacas con toda la razón. La censura televisiva se encargó de no mostrar tal deficiencia. Los tres Goyas de "Las aventuras de Tadeo Jones" coronan a Mediaset como la cadena del futuro para invertir el cine español. Los premios justifican lo que muchos pedimos a gritos hace años, los soportes televisivos son esenciales. Hace falta una ley en el cine que una esfuerzos para conservar el valor de nuestro maltrecho cine, debido al incremento del IVA y a la ley de Wert, últimas estocadas mortales para la cultura de nuestro país. El discurso del presidente de la Academia, realista y cargado de reivindicaciones. Puso encima de la mesa los problemas y tuvo frases cargadas de sentido común.
"Una vez más la razón del Estado se ha impuesto sobre el estado de la razón"
"Nosotros no vamos a cejar en nuestro empeño de que se rectifique este grandísimo error" (En referencia al IVA).
"Expresó asimismo su preocupación por el "deterioro progresivo" que está sufriendo RTVE, a la que ha definido como una aliada del cine español".
El momento "chanante" de los chicos de Muchachada Nui fue de los que provocó controversia. A mí, me gustó, no es para tirar cohetes pero forma parte de nuestro humor. Lo que no lo forma son las parodias "Hollywoodienses" con las películas nominadas. Aburrido y previsible, no es necesario, hay más recursos humorísticos. Los discursos de los ganadores, como son el de Candela Peña y el de Maribel Verdú fueron una buena interpretación en la que muchos picamos y que luego con información en la mano, uno descubre que es una pantomima. Curioso el texto que circula por la red y que es un reflejo de lo que os digo: "Hola, me llamo Maribel Verdú y trabajo en el cine español, estoy casada con un empresario que tiene siete teatros, SIETE, mis amigos y yo nos dedicamos a hacer películas con el dinero de los impuestos de los ciudadanos, luego, si esos ciudadanos quieren verlas tienen que pasar por taquilla, abonarse a una tele de pago o comprar una copia original en su soporte favorito, porque las descargas son un crimen, ya sabéis. También hago anuncios, de hipotecas del Banco Santander, por ejemplo, esta es una entidad líder en muchas cosas, desahucios sin ir mas lejos. Y fui imagen de el Corte Inglés, que es una empresa donde ni siquiera se permiten los sindicatos. Ayer me dieron un premio Goya, por una película en la que matamos varios toros, mira que yo hice campaña para promover la adopción de galgos y eso....bueno, a lo que iba, que en los agradecimientos, enfundada en un modelito de Raf Simmons para Dior y con joyas de Bulgari, denuncié este injusto sistema que roba a los pobres para dárselo a los ricos. Molo un montón" Cuando terminaron los premios me hice esta pregunta, ¿podrían haberlo hecho mejor? La respuesta es clara y contundente: sí, pueden y deben. El cine español tiene mejores conductores para una gala así y lo malo es que empieza a resultar hiriente.
PALMARÉS PREMIOS GOYA 2013:
- Premios Goya 2013 Mejor película: Blancanieves, de Pablo Berger.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección: J.A. Bayona, porLo imposible.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección novel: Enrique Gato, por Las aventuras de Tadeo Jones.
- Premios Goya 2013 al Mejor guión original: Pablo Berger, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor guión adaptado: Gorka Magallón, Ignacio del Moral, Javier Barreira, Jodi Gasull y Neil Landau por Las aventuras de Tadeo Jones.
- Premios Goya 2013 a la Mejor música original: Alfonso de Vilallonga, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 a la Mejor canción original: No te puedo encontrar, de Pablo Berger y Juan Gómez, d ela película Blancanieves
- Premios Goya 2013 a la Mejor interpretación masculina protagonista: José Sacristán, por El muerto y ser feliz.
- Premios Goya 2013 a la Mejor interpretación femenina protagonista: Maribel Verdú, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 a la Mejor interpretación masculina de reparto: Julián Villagrán, por Grupo 7.
- Premios Goya 2013 a la Mejor interpretación femenina de reparto: Candela Peña, por Una pistola en cada mano.
- Premios Goya 2013 al Mejor actor revelación: Joaquín Núñez, por Grupo 7.
- Premios Goya 2013 a la Mejor actriz revelación: Macarena García, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección de producción: Sandra Hermida Muñiz, por Lo imposible.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección de fotografía: Kiko de la Rica, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor montaje: Bernat Vilaplana y Elena Ruiz, por Lo imposible.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección artística: Alain Bainée, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor diseño de vestuario: Paco Delgado, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor maquillaje y/o peluquería: Fermín Galán y Sylvie Imbert, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor sonido: Marc Orts, Oriol Tarragó y Peter Glossop, por Lo imposible.
- Premios Goya 2013 a los Mejores efectos especiales: Félix Bergés y Pau Costa, por Lo imposible.
- Premios Goya 2013 a la Mejor película de animación: Las aventuras de Tadeo Jones.
- Premios Goya 2013 a la Mejor película documental: Hijos de las nubes, la última colonia.
- Premios Goya 2013 a la Mejor película iberoamericana:Juan de los muertos, de Alejandro Burgués (Cuba).
- Premios Goya 2013 a la Mejor película europea: Intocable, de Eric Toledano y Olivier Nakache.
- Premios Goya 2013 al Mejor cortometraje de ficción español: Aquel no era yo, de Esteban Crespo García.
- Premios Goya 2013 al Mejor cortometraje de animación español: El vendedor de humo, de Jaime Maestro.
- Premios Goya 2013 al Mejor cortometraje documental español: A story for the Modlins (Una historia para los Modlin), de Sergio Oksman.
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