Tras instalarse con su familia en un barrio de las afueras de París, Laure, una niña de diez años, aprovecha su aspecto y su corte de pelo para hacerse pasar por un chico. En su papel de Michael, se verá inmersa en situaciones comprometidas; por ejemplo, Lisa, una chica del grupo, se enamora de ella. ¿Cuáles serán las consecuencias cuando se descubra su engaño? Céline Sciamma, joven cineasta que ya logró sorprender con su film "lirios de agua" nos hacia una radiografía del nacimiento de la feminidad. En está ocasión, no le tiembla el pulso a la hora de rodar una historia valiente, llena de emoción y sentimiento. El título del film "Tomboy" se refiere a las niñas o chicas jóvenes a quienes les gusta vestirse y comportarse como chicos. Pero más allá de etimologías, hay una carga emocional que se palpa desde el minuto 1 de la historia. Miles de preguntas asolan mi mente, pero no soy yo el que debe planteárselas, el personaje va a desvelarme sus pensamientos. Su familia es idílica con una hermana cargada de ternura,un padre atareado y una madre a punto de dar a luz a su tercer retoño. Pero Laure,ahora llamado Michaël ,se siente diferente, sabe que el sentirse hombre debe ir acompañado de genética. Sin embargo, no tiene reparos puesto que sabe que es quien es. La mentira existe sólo en el nuevo mundo que se le plantea, sus nuevos amigos no se percatan de la situación. Para todos es Michaël, se siente nacida libre, es quien es porque quiere serlo. Es consciente de que su físico puede mantener la mentira. Hay tanta inteligencia emocional en cada fotograma, que uno siente que la ternura de los personajes va a atravesar la pantalla y van a a transformar la inocencia de un niño en la felicidad plena del personaje. Pero la realidad no superará la ficción, tan sólo nos provocará una sonrisa. Sutileza y elegancia en un film no apto para mentes retrogradas. Sino para personas que saben escuchar y interpretar, para esos que cada día quieran aprender de las emociones,Tomboy es su película. LO MEJOR:Que puedan hacerse películas con tanto tacto y tanta delicadeza, la normalización es un hecho. LO PEOR: Que pase sin pena ni gloria por nuestras carteleras y encima llegue tan tarde NOTA: 6,5/10
Ambientada en el mundo de la psicofarmacología, ciencia que estudia como afectan las drogas a la mente humana. Emily (Ronney Mara) es una joven que se vuelve adicta a un nuevo medicamento que le receta su psiquiatra (Jude Law) que se la proporciona para poder manejar su ansiedad por la inminente liberación de la cárcel de su marido, Martin (Channing Tatum)
El siempre inquietante Steven Soderbergh nos presenta una historia simple en su exposición pero compleja en su definición.Como si de un temerario se tratara, vuelve a mostrarnos un mundo para muchos conocido y para otros, como es mi caso, desconocido. Aquí no solo se habla de la mala praxis por parte del psiquiatra de turno, se va más allá. Soderbergh es un maestro en crear ambientes tensos, cargados de misterio, y aquí crea una trama al alcance de mentes despiertas.
Confieso que esperaba con ganas durante semanas este film y no me ha decepcionado para nada. Me encantan los giros en la historia, el "descoloque" que produce la historia y los entresijos de la mente humana con sus pros y contras producidos por la ingesta de fármacos de dudosa reputación.
Podría ser una denuncia social, pero él va más lejos. ¿Qué pasaría si mi psiquiatra fuera el culpable de lo que yo hago?
Destacable Jude Law que no es tan sólo el psiquiatra, es el consejero, el detective, el que desengrana el camino de los "efectos secundarios". La sobria Catherine Zeta Jones es la segunda en discordia y la que siembra la duda durante toda la historia. Entiendo que Soderbergh quita el cliché a Chaning Tatum, con el personaje de Martín; lo enfunda en un traje y nos muestra un actor que puede ser más que un icono sexual.
Decepcionante bajo mi punto de vista Ronney Mara en el personaje de la paciente problemática. Tengo la sensación que veo un zombie, no una persona con un fuerte problema emocional.
Si algo tiene la versión original es que desnuda los personajes y en la historia quien menos brilla es ella. Sin embargo, no decae la intensidad y la perseverancia de Jude Law que cumple con el requisito principal de la cinta, sorprender.
Uno llega a sufrir una fuerte animadversión a los fármacos, pero el letargo de ellos se contagia y nos hace sentirnos perdidos en un mar de dudas, pero Soderbergh en 10 minutos finales épicos nos disipa todas las dudas hilando todos los rotos, como si de una aguja clínica se tratase.
LO MEJOR: Creer que vas a ver una historia de intriga y acabar viendo una historia integrante.
LO PEOR: Que no podamos ver a Catherine Zeta Jones en más películas, se sale de la pantalla, arrebatadora.
Albert y Anna no tienen dinero, además él está postrado en una silla de ruedas. A pesar de todo, se han propuesto viajar de Barcelona a Nueva Zelanda. Si uno de los críticos del Hollywood Reporter te dice que es una de las mejores 10 películas del año debes creerlo. Si además viene avalada con premios uno se entusiasma con lo que va a ver. Ganadora en el Boulder International Film Festival como mejor documental. Y ganó el "docu award" y quedó tercera en el Premio del Público, en el que competían más de 300 documentales. Su director, Marcel Barrena, debutó en el cine con la película de televisión "Cuatro estaciones", con la que ganó un premio Gaudí y el premio a Mejor película y Mejor director en el festival de Alicante. Fue colaborador en la revista Fotogramas durante más de 10 años. Es uno de esos jóvenes talentosos que sabe lo que quiere explicar y cómo hacerlo. También colaboró en programas de éxito en la televisión catalana con el archiconocido "Alguna pregunta més"(APM). Soy consciente de lo que voy a ver cuando me siento en la butaca del cine, un documental minoritario con un público acogedor, que valora el cine de matices y que desea tanto como Albert hacer el viaje desde Barcelona a Nueva Zelanda, más concretamente a East Cape, donde se encuentra un remoto faro. Observo a Albert Casals y su historia. Con tan sólo 5 años sufre leucemia hasta llegar a la parálisis en sus piernas. Me encanta la yuxtaposición permanente entre pasado y presente, me hace entender más su vida, sus sentimientos y su esencia. Como dice su padre, el cuidarle intelectualmente es clave para que nazca esa inquietud por viajar, por sentirse libre. Podría ser una historia de amor, porque su novia Anna Socias es esa compañera ideal que encaja con él, pero es más bien la superación lo que la hace diferente. No hay silla de ruedas en el amor de esta pareja, sólo hay ganas de ser feliz cumpliendo una pasíón que se contagia en Anna y en todos los que vivimos la historia. Nos muestra que viajar te enriquece, que la gente es participe de tu felicidad y no pone escollos, que tan sólo te ayuda y es cómplice de ello. Por eso, por donde pasa deja huella, amigos, historias y lecciones de vida. En cada punto por el que viaja Albert, uno siente que está en una "Road Movie", que las limitaciones las ponemos nosotros, que querer es poder y que el futuro no importa si no vives el presente. Esa es la premisa. El "run run" en mi estomago hace estragos, lo siento pero me he inmiscuido demasiado en el film, he quedado atrapado por su felicidad. Yo no veo un joven en una silla de ruedas, sino un joven que sale con 20 euros de casa y sabe que haga lo que haga va a tener una mano tendida, una casa para comer y una cama para dormir. El optimismo se ha apoderado de mi, lo confieso. Termina el documental y nace un espontaneo aplauso que crece como mi sonrisa, no soy el único que ha sufrido la catarsis, el mundo está lleno de aventureros. El viaje de punta a punta del planeta no seria posible sin la maravillosa banda sonora compuesta por Pau Vallvé, con un solo de guitarra y una tenue voz uno consigue sentir la brisa de los lugares a los que viaja Albert.
LO MEJOR: Que no sea una historia de ficción, que existan historias como esta LO PEOR: El sentimiento de que tu vida no es como quieres,sino como te dicen que debe ser.
NOTA: 8
CURIOSIDADES
El viaje duró 8 meses y en ese tiempo estuvo a punto de morir.Hace unos años ya se escribió un libro sobre su vida que se llama "El mundo sobre ruedas",además de escribir un segundo que se llama "Sin fronteras".
Un grupo de surrealistas pasajeros viaja a Ciudad de México en un avión cuya tripulación es absolutamente un esperpento. Durante el vuelo,una gran avería hace que los pasajeros,al verse al borde de la muerte,se sientan inclinados a revelar los asuntos más íntimos de su vida. Todo ello desembocará en una comedia caótica y disparatada. Hablar de Pedro Almodóvar para mí es hablar de un maestro de la sensibilidad, de una mente abierta capaz de abordar temas peliagudos y salir airoso de cada uno de ellos. Yo crecí con tacones lejanos y fui creyendo que Almodóvar era alguien diferente y valiente. Después de ver este film siento que el listón ha bajado por mucho que seas capaz de reunir a los mediáticos Penélope Cruz y Antonio Banderas, aunque sólo sea para 5 minutos.Y además consigues reunir un elenco donde combinas juventud con experiencia, el cóctel debería ser efectivo. Sin embargo, Almodóvar provoca el efecto contrario. Me parece perfecto que se desarrolle en un avión, es justo ahí donde, con una buena historia, puedes sacar mucho jugo. Lo que no tiene ningún sentido es que un vuelo dirección México se convierta en una comedia vulgar aliñada con sexo explícito, con menos gusto que una película porno. Uno, en las películas de Esteso y Pajares, sabía lo que iba a ver, en cambio, uno cuando paga la entrada por esta historia se siente estafado. No puedes crear historias rocambolescas y hacerme creer que las gallinas vuelan o que la gente cura sus penas diciendo burradas constantes y sin sentido. Entiendo que querías hacer una película de este estilo hace tiempo y me parece perfecto, pero no me hagas creer que eres un gay sensible y capaz de pasar de emocionarme a provocarme arcadas con escenas dignas de Rocco Sifreddi. Si yo fuera gay me sentiría ofendido. Si hacer comedia es mostrar la promiscuidad, la vulgaridad y lo soez, yo no quiero ese cine. Hoy insultaste la inteligencia de los que muchas veces te definimos como brillante. Si quieres vender un producto de comedia made in USA, con caca y pedo como telón de fondo, véndelo claramente como hacen ellos, pero no lo manipules, porque eso lo único que hace es provocarme la indignación que tengo. Creo en el cine español y películas como esta son las que me hacen difícil defenderlo. Esto no es entretenimiento, es mediocridad. Volver a los años 80 con lo peor de los 80. Sé que estabas harto del drama pero cuidado, de la comedia al drama hay un paso.
NOTA:4 LO MEJOR: La escena de los azafatos escenificando una canción de renombre LO PEOR: Que lo mejor de la película sea única y exclusivamente una escena y eso provoque un taquillazo, me consuela, ha picado más gente.
CURIOSIDADES Se rodó en el aeropuerto fantasma de Castilla la Mancha. El uniforme de los TCPS está diseñado por David Delfín. Recuerda a los uniformes de las camareras de los años 60. La bicicleta azul que usa Ruth,es de la marca Peugeot y es una bici eléctrica customizada. El nombre del avión es "Chavela Blanca",es un homenaje de Almodóvar a Chavela Vargas
La vida del joven profesor Jesse (Josh Radnor) sufre un cambio considerable en el momento que recibe la llamada de un viejo amigo que fue su maestro.Volverá para la jubilación de este y allí conocerá a Zibby (Elisabeth Olsen), una estudiante de 19 años, tendrá que luchar con la atracción que surge entre ellos. El director Josh Radnor más conocido por la serie "Como conocí a vuestra madre" nos presenta su segunda película que fue la que inauguro el festival de Sundance. Sus comienzos fueron "Happy thank you more please". Allí ya empezó a cosechar el éxito que se consagrará en su segunda película con una faceta difícil, interpretar y dirigir. Jesse es un profesor de 35 años con una vida profundamente establecida y sin motivación alguna, pero todo cambia en el momento que recibe la llamada del que fue su maestro en la universidad. Acude no tan sólo a la jubilación de su ex-profesor sino también al reencuentro con lo que fue su adolescencia. Zibby será la perfecta muestra de que la inteligencia, la frescura, la pasión y la amistad siguen latentes en Jesse. En eso momento se establece una perfecta conexión entre los personajes que alcanza su punto más álgido cuando hay tertulias literarias o de vida. Cada uno desde su perspectiva y con prismas distintos ofrecen una ventana abierta al amor. La parte moral afectará a Jesse y le llevará por distintos derroteros. Una cinta independiente con pensamientos y momentos que todos hemos sentido, yo cuando la veo, me la creo. El personaje de Zack Efron que todos tenemos en mente como el eterno "guapete" de "High School Musical" logra algo que lo eleva a la categoría de actor que no es más que salir del encasillamiento al que él solito se ha sometido. Es ese personaje que en algún momento se ha cruzado en nuestra vida y que la única pretensión que tiene es que esbocemos una sonrisa. La pequeña de los Olsen está brillante y enamora al espectador, su mirada, su sonrisa, su ternura... La generación de las Dakotta Fanning y compañía pisa sin prisa pero sin pausa, empieza a ser una costumbre sus apariciones en films independientes. No esperéis una comedia romántica previsible, simplemente sentaros y imaginaros que viajáis a vuestra adolescencia. La realidad no supera a la ficción. La banda sonora tiene una particularidad que no quiero desvelaros, sólo os diré que es parte de la esencia del film.
LO MEJOR: Que vuelva aparecer el secundario fetiche de Josh Radnor, que es el profesor jubilado (Richard Jenkins) LO PEOR: Que las historias con fondo y forma se pierdan en la cartelera,espero que no tengan nada que ver las horrorosas traducciones que cada vez se parecen más a las latinas NOTA: 6,5
LINK: http://peliculasfox.com/amor-y-letras
CURIOSIDADES Para esta segunda película Josh Radnor se traslada a los lugares de su juventud,ya que Liberal Arts ha sido rodada en gran parte en la Universidad de Gambier (Ohio) donde el cineasta estudió. En octubre tuve la oportunidad de ver esta película en el festival de cine independiente de Tarragona (Rec),al final llego a tiempo pese al huracán Katrina, aprovecho para publicitarlo porque creo que los festivales hechos con cara y ojos,con pocos recursos y con el respaldo del público pueden mantenerse,estuvo a punto de no celebrarse.
Para la joven Carolina Matilde (Alicia Vikander), casada siendo una adolescente con el rey de Dinamarca Christian VII, es un horror vivir con un marido esquizofrénico (el rey loco). Así, Carolina se rinde a los encantos del médico personal del rey, un intelectual progresista (Mad Mikelsen) que será dividido entre su lealtad al rey, su amor a la reina y su oportunidad de convertir una Dinamarca medieval en un país ilustrado. Posiblemente de todas las películas que se presentaron a los Oscars sea la que más desapercibida pasó debido al efecto Amour. El director Nicolaj Arcel es más conocido por ser el guionista de la archiconocida saga Millenium de Stieg Larsson y el asesor dramático de Lars Von trier. Una cinta que viene precedida de triunfos en todos los festivales que ha pasado, desde el Oso de la Berlinale al mejor guión y mejor actor Mikel Boe Fosgard como el rey "loco", a nominaciones por doquier en la mayoría de festivales que fue presentada. Ambientada en el siglo XVIII, conocido como el siglo de las luces, se presenta la historia de la joven Carolina Matilde, una noble inglesa arruinada y casada por interés con el excéntrico "rey loco", cuyos únicos intereses son las fiestas y las fulanas. Eso no pasa desapercibido para su consejo de ministros que lo utiliza como títere para que firme leyes absolutistas que sólo hacen ahogar el pueblo en la más absoluta represión. Sin embargo, el ilustrado Struensee, influenciado por las ideas de Voltaire, se erige además de en el médico personal del rey en su fiel amigo y consejero. Él con su astucia y pericia encaminará el país hacia otra cruzada totalmente distinta a la vivida. El debate más dificil en la vida de Struensee será la historia de amor con Carolina Matilde ya que le acarreará problemas en su concepto de vida, poniendo en riesgo los cambios en su nación y su felicidad personal. La ambientación es perfecta, sin estruendos, con la carga justa y necesaria para hacer de esta historia real algo creíble. Muy fiel a la historia se nos plantea algo más que una historia dramática. La banda sonora es el buque insignia de este film donde la fuerza musical palpita en cada diapositiva. No es fácil que en 143 minutos uno se sienta parte de la historia, atrapado en los sentimientos y ideales. El espectador hace un viaje por la Dinamarca en pleno siglo de las luces, de manera paulatina con sólo un afán, dar a conocer uno de los puntos de inflexión de la historia de un país. Se podría reprochar que la adaptación de Carolina Matilde no se ajusta a la realidad pero uno entiende que esto es un producto y que hay que venderlo y, señores/as, una joven entrada en carnes no vende.
LO MEJOR: La recreación histórica y sobretodo la del "rey loco" para muchos grotesco y esperpentico, para mi el fiel espejo de un esquizofrénico. LO PEOR: La inexpresiva cara de Alicia Vikander (Carolina Matilde). No pongo en duda sus recursos interpretativos, pero no creo que fuera una infeliz permanente. NOTA:7,5
CURIOSIDADES El director Arcel apunta lo difícil que es hacer una película de época con un presupuesto danés. El vestuario, las pelucas, los caballos, el lenguaje arcaico... otra faena fue buscar el castillo idóneo para el filme, que fue rodado en la República Checa y Alemania. Necesitábamos el viejo color arena del palacio Christianborg,-explica Arcel- y lo encontramos en Dresde. Pero el principal problema con la recreación de esta historia de época, según ha revelado el director,fue la iluminación de las escenas nocturnas: "Creo que usamos todos los abastecimientos de velas de Praga, durante las siete semanas que estuvimos allí". El desenlace se ha presagiado ya con la alusión que en el film se hace a la muerte de Arturo y los amores de Sir Lancelot, caballero del Rey Arturo. Juzguen ustedes mismos las caras reales con las de la adaptación:
Con el objetivo de hacer reír a Tommy Lee Jones empezó una gala cargada de números musicales y, por lo demás, poco arriesgada. Un Seth MacFarlane que ni fu ni fa, que seguramente no pasará a la historia como uno de los mejores presentadores de los Oscar, pero tampoco como uno de los peores. Aún así mantuvo un buen tono, con algún que otro gag bueno y con George Clooney como uno de sus blancos. Hubo momentos para todos los gustos. A diferencia de unos Goya cargados de reproches, me gustó ver la inexistente carga política de dicho evento, cosa que denota el valor que tiene el cine en Los Ángeles. Se hicieron gags sobre cine, canciones sobre cine y parodias sobre actores. La vida política no tenía cabida en una gala blanca. La gala se iba teñiendo de típicas americanadas, desde un número musical sobre las tetas de las actrices a cómo parodiar el acento de los actores hispanos. Fue, sin duda, uno de los Oscars más repartidos de los últimos años, cosa que me alegra. Cada una de las películas nominadas tenían su punto fuerte y también su punto débil. He de confesar que mi mayor temor horas antes de la gala era que Lincoln se llevara gran parte de los premios. Pero pasó de ser la gran favorita a ser la gran perdedora en cuestión de tres horas. Un film de línia clasicista y de matiz político que lo tenía todo para ser la película más votada por los académicos y que se quedó con un premio a Mejor actor, que no es poco, rompiendo así la famosa maldición de Spielberg. La noche más oscura casi se va de vacío, y me parece genial. No es una gran película. Quizá la academia no ha perdonado tal apología de la tortura para conseguir las cosas. Lo que está claro es que lo único merecedor de un premio en ese film es una maravillosa Jessica Chastain, que cada día me agrada más y que estaba especialmente preciosa esa noche. Pero estaba difícil, sus competidoras de nominación eran muy fuertes. La pregunta que me aborda inmediatamente después de la ceremonia es qué película ha sido la gran ganadora. ¿La vida de Pi por llevarse 4 Oscar? ¿Argo por llevarse el premio a Mejor película? Desde luego, fueron las dos mejores. La vida de Pi en su parte técnicaes merecedora de dichos premios. A mí me sorprendió el Oscar a Mejor Director a Ang Lee, sinceramente creo que había otros más merecedores de este. Argo se llevó el premio gordo, con un Ben Affleck que no se lo creía ni él y dedicando estas palabras con el objetivo de zanjar cualquier polémica: "No puedes guardar rencor. No se debe guardar rencor. Lo único que importa es que tienes que levantarte". Cabe destacar un Tarantino en éxtasis tras un premio tan merecido como el de mejor guión por Django Desencadenado. Por supuesto, también un genial Christoph Waltz del que nadie se esperaba el premio, y que se llevó su segunda estatuílla en cuatro años con unas maravillosas palabras dedicadas a su gran descubridor: "Tarantino escribe poesía y yo amo la poesía".
Tarantino dijo cuando recogió el premio a Mejor Guión que era el año de los guiones, de los escritores. Es muy cierto, pero a mí me gustaría añadir que también es el año del cine independiente. Que films como El lado bueno de las cosas, Bestias del sur salvaje o Amour estuvieran en esta gala era impensable hace años. Por fin se empiezan a dar cuenta que el cine independiente tiene calidad. Por lo que se refiere a Los Miserables, el Oscar de Anne Hathaway era tan previsible como esperado. Daba igual las actrices que compitieran con ella, estaba cantado. El mejor momento de esas tres horas y media fue, sin duda alguna, el número en el que aparece todo el elenco del musical interpretando cantando un medley de los temas de la obra. Fue un momento que iba en crescendo, que ponía los pelos de punta y que demostraba el talento de unos actores que cantaron en directo durante el rodaje.
Lo más gracioso: la caída de Jenniffer Lawrence. Lo más ridículo: el vestido de Anne Hathaway Lo más emotivo: el número musical del elenco de los miserables Lo más despectivo: la parodia del acento inglés de Bardem, Pe y Salma Hayek. Lo más vergonzoso: las pintas de Kristen Steward. Lo más esperado: el Oscar de Anne Hathaway Lo más inesperado: la derrota de Lincoln. Lo más previsible: el Oscar a Mejor Actor de Daniel Day Lewis
PALMARÉS:
Mejor película: Argo
Mejor actor: Daniel Day-Lewis, "Lincoln"
Mejor actriz: Jennifer Lawrence, "El lado bueno de las cosas"
Mejor actor de reparto: Christoph Waltz, "Django desencadenado."
Mejor actriz de reparto: Anne Hathaway, "Los Miserables"
Mejor director: Ang Lee, "Vida de Pi"
Mejor película extranjera: "Amour"
Mejor Guión Adaptación: Chris Terrio, "Argo"
Mejor Guión Original: Quentin Tarantino, "Django desencadenado"
Mejor película animada: "Brave"
Mejor diseño de producción:"Lincoln."
Mejor cinematografía: "Life of Pi,"
Mejor mezcla de sonido: "Los Miserables"
Mejor edición de sonido: Empate entre "Skyfall," "La noche más oscura"
Mejor partitura original : "Vida de Pi," Mychael Danna
Mejor canción original: "Skyfall," Adele y Paul Epworth
Después de convivir durante 6 años y tener una hija, Dean y Cindy han decidido casarse, pero entonces su amor empieza a desmoronarse. Intentando salvar la relación, Dean propone ir a pasar la noche a un hotel temático, donde eligen la "habitación del futuro". A partir del futuro, se narra la historia de la pareja, desde el momento de su encuentro hasta la irremediable crisis de su matrimonio. Estrenada a finales de 2010 en 4 salas de EEUU pero con una más que respetable recaudación y cosechando críticas positivas en los distintos festivales dónde se presento,paso por Sundance, Toronto y, más tarde, en nuestro país. Es de esas películas que pasa desapercibida y que después de 2 años llega a nuestros cines. Con tan sólo 23 años el director Derek Cianfrance tuvo su debut en Sundance donde fue elogiado como el debutante novel más sorprendente y de allí catapultado a más de 30 festivales. Con estas premisas sólo podemos esperar un film que capte nuestra atención. Retrato necrológico del matrimonio. Dean y Cindy son una pareja profundamente enamorada, una relación sin fisuras con una hija que magnifica a Dean como padre, pero no lo hace mejor esposo. El desgaste de los años hace mella en la pareja y provoca distancia. Para enmendarlo Dean decide llevar a Cindy a un hotel temático donde fomentar la comunicación. Lo que sucede a partir de allí es un viaje de los personajes del pasado al futuro. Allí el espectador tendrá una visión de pareja que ayudará a entender los personajes y sus pormenores. Torrente emocional cargado de un profundo análisis de pareja, desde el apogeo a la decadencia. Uno siente que ha pasado por cualquiera de esos estados,que viaja como los actores y que luchan por ser felices. Se agradecen las interpretaciones de Ryan Gosling y Michelle Williams, debo confesar mi rechazo por el primero que ha quedado subsanado gracias a su interpretación. En cambio, de la segunda, no seré yo quien descubra su excelente calidad artística, llena la pantalla y llega al espectador Situaciones reales con personajes creíbles, a veces uno no dispone de soluciones a los problemas emocionales, por eso lo mejor es desengranarlos, sin más, así es "Blue Valentine".
LINK PARA VERLA http://www.peliculas4.com/ver-blue-valentine-2010-online-15-2607.html
LO MEJOR: poder sentirse identificado con los personajes y sacar conclusiones LO PEOR: la banda sonora, debería impregnar el film y lo hace en pequeños momentos NOTA: 7
CURIOSIDADES
- Película en la que se invirtió un millón de dólares y se recaudaron 12 millones.
- Hubo un día en el que rodaron en un autobús (el encuentro entre Dean y Cindy) y tuvieron un arco iris que viene de la nada, "sé que suena cursi, pero realmente uno siente que estás haciendo lo correcto en el momento adecuado", comenta el director.
- El inicio del rodaje estaba planificado para principios del 2008 pero se pospuso por la muerte de Heath Ledger, novio de Michelle Williams. Los productores decidieron retrasarlo por respeto a ella y porque no querían otra actriz; buena apuesta y buen gesto.
Cuando me senté frente al televisor después de ver pasear a los actores con sus modelitos, ellas escotadas y ellos entrajados, pensé que no teníamos nada que envidiar a otros premios. A medida que los exagerados y estresados periodistas iban entrevistado uno por uno a los nominados, me percaté que la situación social que vivimos iba a dejar a un lado la fiesta del cine español. Apareció la monologuista Eva Hache, que debo decir que no me entusiasma pero que imaginé que con todos los temas que tenemos encima de la mesa iba a hacer uno de sus mejores monólogos y así fue. Reconozco que aplaudí como un friky y que tuiteé con efusividad. El efecto reivindicativo me había poseído, pero justo ahí sentí la tristeza de ver que la fiesta se iba diluyendo, como mi entusiasmo. Cuando los 10 "cabezones" de la "The artist" española hicieron acto de presencia sentí la impotencia de que todo está establecido. La relegada "El artista y la modelo" se queda injustamente sin premios por el efecto "Blancanieves". Por mi parte, creo que está sobrevalorada y que el público no esta preparado para la epístola taurina. Tengo que decir que no nominar a una pistola en cada mano me parece un sacrilegio, porque sin duda, es una película con un excelente guión y un elenco formidable. Es penoso que la academia la relegue al más absoluto olvido. Justos son los 5 goyas para" Lo imposible", premio que acabará dónde empezó todo, en el fondo del mar. Con un Bayona poseído por la emoción en el premio a la mejor dirección, tanto lo estaba que, al ir a entregar el premio a la protagonista real de su film, tuvo un traspié y le provocó una rotura fibrilar, ¡¡poca broma!! Todo esto le da una idea a uno de lo que fue la gala, que fue de más a menos, con un número musical al Goya honorífico que provoca vergüenza ajena, y pasando por la bochornosa humillación que pasó el equipo de "Els nens salvatges". Un intercambio de sobres hizo que fueran premiados durante un minuto, justo el tiempo en el que se dieron cuenta de la "gran cagada" de la noche. Recibieron unas disculpas poco educadas que sirvieron para que el equipo de los no premiados abandonaran sus butacas con toda la razón. La censura televisiva se encargó de no mostrar tal deficiencia. Los tres Goyas de "Las aventuras de Tadeo Jones" coronan a Mediaset como la cadena del futuro para invertir el cine español. Los premios justifican lo que muchos pedimos a gritos hace años, los soportes televisivos son esenciales. Hace falta una ley en el cine que una esfuerzos para conservar el valor de nuestro maltrecho cine, debido al incremento del IVA y a la ley de Wert, últimas estocadas mortales para la cultura de nuestro país. El discurso del presidente de la Academia, realista y cargado de reivindicaciones. Puso encima de la mesa los problemas y tuvo frases cargadas de sentido común.
"Una vez más la razón del Estado se ha impuesto sobre el estado de la razón"
"Nosotros no vamos a cejar en nuestro empeño de que se rectifique este grandísimo error" (En referencia al IVA).
"Expresó asimismo su preocupación por el "deterioro progresivo" que está sufriendo RTVE, a la que ha definido como una aliada del cine español".
El momento "chanante" de los chicos de Muchachada Nui fue de los que provocó controversia. A mí, me gustó, no es para tirar cohetes pero forma parte de nuestro humor. Lo que no lo forma son las parodias "Hollywoodienses" con las películas nominadas. Aburrido y previsible, no es necesario, hay más recursos humorísticos. Los discursos de los ganadores, como son el de Candela Peña y el de Maribel Verdú fueron una buena interpretación en la que muchos picamos y que luego con información en la mano, uno descubre que es una pantomima. Curioso el texto que circula por la red y que es un reflejo de lo que os digo: "Hola, me llamo Maribel Verdú y trabajo en el cine español, estoy casada con un empresario que tiene siete teatros, SIETE, mis amigos y yo nos dedicamos a hacer películas con el dinero de los impuestos de los ciudadanos, luego, si esos ciudadanos quieren verlas tienen que pasar por taquilla, abonarse a una tele de pago o comprar una copia original en su soporte favorito, porque las descargas son un crimen, ya sabéis. También hago anuncios, de hipotecas del Banco Santander, por ejemplo, esta es una entidad líder en muchas cosas, desahucios sin ir mas lejos. Y fui imagen de el Corte Inglés, que es una empresa donde ni siquiera se permiten los sindicatos. Ayer me dieron un premio Goya, por una película en la que matamos varios toros, mira que yo hice campaña para promover la adopción de galgos y eso....bueno, a lo que iba, que en los agradecimientos, enfundada en un modelito de Raf Simmons para Dior y con joyas de Bulgari, denuncié este injusto sistema que roba a los pobres para dárselo a los ricos. Molo un montón" Cuando terminaron los premios me hice esta pregunta, ¿podrían haberlo hecho mejor? La respuesta es clara y contundente: sí, pueden y deben. El cine español tiene mejores conductores para una gala así y lo malo es que empieza a resultar hiriente.
PALMARÉS PREMIOS GOYA 2013:
- Premios Goya 2013 Mejor película: Blancanieves, de Pablo Berger.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección: J.A. Bayona, porLo imposible.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección novel: Enrique Gato, por Las aventuras de Tadeo Jones.
- Premios Goya 2013 al Mejor guión original: Pablo Berger, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor guión adaptado: Gorka Magallón, Ignacio del Moral, Javier Barreira, Jodi Gasull y Neil Landau por Las aventuras de Tadeo Jones.
- Premios Goya 2013 a la Mejor música original: Alfonso de Vilallonga, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 a la Mejor canción original: No te puedo encontrar, de Pablo Berger y Juan Gómez, d ela película Blancanieves
- Premios Goya 2013 a la Mejor interpretación masculina protagonista: José Sacristán, por El muerto y ser feliz.
- Premios Goya 2013 a la Mejor interpretación femenina protagonista: Maribel Verdú, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 a la Mejor interpretación masculina de reparto: Julián Villagrán, por Grupo 7.
- Premios Goya 2013 a la Mejor interpretación femenina de reparto: Candela Peña, por Una pistola en cada mano.
- Premios Goya 2013 al Mejor actor revelación: Joaquín Núñez, por Grupo 7.
- Premios Goya 2013 a la Mejor actriz revelación: Macarena García, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección de producción: Sandra Hermida Muñiz, por Lo imposible.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección de fotografía: Kiko de la Rica, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor montaje: Bernat Vilaplana y Elena Ruiz, por Lo imposible.
- Premios Goya 2013 a la Mejor dirección artística: Alain Bainée, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor diseño de vestuario: Paco Delgado, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor maquillaje y/o peluquería: Fermín Galán y Sylvie Imbert, por Blancanieves.
- Premios Goya 2013 al Mejor sonido: Marc Orts, Oriol Tarragó y Peter Glossop, por Lo imposible.
- Premios Goya 2013 a los Mejores efectos especiales: Félix Bergés y Pau Costa, por Lo imposible.
- Premios Goya 2013 a la Mejor película de animación: Las aventuras de Tadeo Jones.
- Premios Goya 2013 a la Mejor película documental: Hijos de las nubes, la última colonia.
- Premios Goya 2013 a la Mejor película iberoamericana:Juan de los muertos, de Alejandro Burgués (Cuba).
- Premios Goya 2013 a la Mejor película europea: Intocable, de Eric Toledano y Olivier Nakache.
- Premios Goya 2013 al Mejor cortometraje de ficción español: Aquel no era yo, de Esteban Crespo García.
- Premios Goya 2013 al Mejor cortometraje de animación español: El vendedor de humo, de Jaime Maestro.
- Premios Goya 2013 al Mejor cortometraje documental español: A story for the Modlins (Una historia para los Modlin), de Sergio Oksman.
Un guionista (Collin Farrell) busca inspiración para su próximo trabajo, en el que 2 excéntricos amigos (Sam Rockwell y Christopher Walken) planean secuestrar a un perro. El asunto se complica cuando el animal de un mafioso (Whoody Harrelson) desaparece. Un director desconocido en nuestro país y laureado en Reino Unido, con una trayectoria impecable como dramaturgo y con las que ha cosechado triunfos por su talento al escribir. Con estas credenciales lo mínimo que podemos esperar es que la película sea imprevisible, y eso lo consigue. Su primera incursión es en 2005 con un cortometraje con el que gana un Oscar en 2006. En el año 2009 gana un Bafta al mejor guión con su primer largometraje "In bruges" (Escondidos en Brujas), película en la que colabora Farrell.
Farrell es un guionista escaso de ideas, adicto al alcohol y perdido en la búsqueda de historias para su próxima novela pero tiene 2 amigos (Walken y Rockwell) que pueden documentarle en la temática que persigue. Son 2 psicópatas de poca monta, con poco miedo a la muerte y retorcidos. Estos secuestradores de perros cometen el error de secuestrar el perro de un mafioso que siente adoración por su animal. Eso les llevará a una persecución en la que el mafioso (Harrelson) no va a ceder un ápice. Por su parte Farrell, en ese camino, va a encontrar fuentes de inspiración en todo lo que le rodea. Con diálogos cargados de sorna se nos presenta una historia rocambolesca, la película consigue lo que pretende, entretiene. Es fácil crear situaciones surrealistas con personajes excéntricos y cargados de aspectos cómicos. Quizá el querer mostrar el lado psicópata puede enturbiar la acción del film, por tanto puede ser prescindible.
En mi opinión, no sé hasta qué punto son necesarias algunas escenas, puesto que me provocan aburrimiento. Destaca por su crudeza, en algún momento he tenido la sensación de ver "Snatch cerdos y diamantes" y, acto seguido, me ha transportado a "Cómo acabar con tu jefe". Pero el reparto engrandece la película y provoca sensaciones dispares. Por fin Harrelson vuelve a deleitarnos con una interpretación digna de su categoría. Sin olvidar a Rockwell y Walken que son el alma de buena parte de la historía. El chico malo de Hollywood (Farrel) sigue en su linea, ni me gusta ni me disgusta. Si queréis disparos, sangre y una historia con chistes malos esta es vuestra película. Sonará raro pero la banda sonora no es un elemento destacable, sí lo es. en cambio, los diálogos.
LO MEJOR: Nunca sabes lo que sucederá y cuando crees saberlo, te sorprende pero tampoco te entusiasma. LO PEOR: El ritmo decae y en 90 minutos, no debería, porque este director tiene potencial para más.
CURIOSIDADES Hay 2 cameos destacables: la protagonista de "Precious" y una chica Bond. Dicen que esta película refleja el alter-ego del director, que es un fan de Tarantino, pero se queda en meras reminiscencias. LA FRASE: -Si jugamos al ojo por ojo todo el mundo terminará ciego. -No es verdad,quedaría un último tipo con un ojo -¿Cómo un ciego le quitaría el ultimo ojo?
Tras un aterrizaje de emergencia gracias al que salvan la vida de un centenar de pasajeros, el capitán Whip Withaker (Denzel Washington), que pilotaba el avión, es agasajado como un héroe nacional. Sin embargo, cuando se pone en marcha la investigación para determinar las causas de la avería, se descubre que,probablemente, fue precisamente el piloto quien puso en peligro la vida de los pasajeros debido a su alcoholismo. El director Robert Zemeckis nos presenta una cinta con una carga emocional importante, el que fuera director de películas como "Forrest Gump" o " Naufrago", nos muestra su lado más camaleónico al ponerse a cargo de una historia, si más no complicada. Que esté basado en hechos reales le otorga dificultad a la hora de rodarla, ya que o eres veraz o llueven los palos. Son los primeros 20 minutos más trepidantes que he tenido la suerte de poder ver, con un Denzel cargado de realismo. Más allá del accidente, que es el peso de la historia, hay algo que no puede pasarse por alto y que por fin alguien sabe transmitir. Después de la apología de la bebida en "Leaving las Vegas", por fin, alguien se atreve a decir que el alcohol no sólo provoca estragos sino que hay personas que sufren alcoholismo y que les destruye la vida. El vuelo no es sólo un viaje del capitán Whip, es también la reivindicación de Kelly Reilly (Nicole) como actriz de papeles más protagonistas. Con vidas entrelazadas se convierte en el nexo de unión con la sobriedad de Whip. La fuerza de la adicción y la voluntad por mejorar su vida serán los grandes caballos de batalla de esta cinta. En ningún momento se hace aburrida ya que la introspección del personaje deja huella. La aparición estelar de Harling Mays (John Goodman) le da el toque de humor que el espectador necesita. Ese amigo insensato que todos sabemos que hará que el personaje sea más imprevisible. Con toda esa mezcla es fácil esperar ver una buena película pero no una gran película.
LO MEJOR: Interpretación súblime de Denzel,de las mejores de su trayectoria LO PEOR: Que muchos no sepan ver la denuncia de una realidad y se hagan los ofendidos.
NOTA: 6.5/10 LA FRASE: La administración colocó a 10 pilotos en simuladores, recrearon el suceso, ningún piloto pudo salvar a los pasajeros, sólo tú.
CURIOSIDADES: Encarnando a un piloto con tendencias alcohólicas, Denzel Washington aparece en la película en varios momentos bebiendo cervezas de la marca Budweiser. Pero la compañía se negó a dar una imagen asociada al alcoholismo y pidió al realizador que eliminara la marca: "Tenemos una larga historia a nuestras espaldas de promoción de la conducta responsables para prevenir el alcoholismo, sobre todo al volante", decía Robert McCartney, vicepresidente de la compañía. La sociedad exigió en una carta dirigida a Robert Zemeckis que el nombre de la marca desapareciera en todos los soportes de distribución: VOD, DVD, Blu-Ray, etc.
Charlie (Logan Lerman), un jóven tímido y marginado, escribe una serie de cartas a una persona sin identificar, en las que aborda asuntos como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, el sexo o las drogas. El protagonista tendrá que afrontar el primer amor (Enma Watson), el suicidio de su primer amigo y su propia enfermedad mental. Al mismo tiempo, lucha por encontrar un grupo de personas con las que pueda encajar y sentirse feliz. El director Stephen Chobsky no sólo es director y guionista, sino que la película está basada en su propia novela homoníma. La gran revelación del Festival de Sundance y novela semi autobiográfica, fue publicada en los libros de la MTV en 1999 y en el 2000 era un éxito entre los adolescentes. Pero debido a otros proyectos como la serie "Jericho" no fue hasta el 2011 que se trasladó a la pantalla. Estrenada en otoño de 2012 se cuela en la cartelera bajo la enseña de los productores de Juno. Resurge la historia de un adolescente en apuros, pero esta vez, creíble. El personaje de Logan, para muchos Percy Jackson, da un salto de calidad. Un personaje difícil con un alto grado de timidez y que ansía la amistad que se truncó con la muerte del que ha sido su mejor amigo. Perdido en el drama de ese trance, aparece Enma Watson, una actriz que es más conocida como Hermion en "Harry Potter" y que ha sabido salir del encasillamiento. Gran interpretación, belleza, sonrisas, miradas, sentimientos, repertorio de registros visuales y empeño en crear un personaje del que es fácil enamorarse. Marcada por la fama de "suelta", su papel esconde el deseo de sentirse amada. La mezcla es más destacada gracias a la incursión de Ezra Miller, hermanastro de la protagonista y con el que forman un tándem dulce. Su homosexualidad, refleja las represiones de la sociedad americana. El resto de personajes que completan el grupo de amigos son espectadores de lujo de esta historia, añadiendo sal y pimienta al film. El reflejo de la marginación de Charlie y el descubrimiento del amor y la amistad con sus altibajos hacen de este film algo irrelevante. Ya que el fondo de la historia va más allá, bajo un prisma realista se nos enfocan historias que todos hemos podido vivir. La dulzura de los personajes encierra historias de superación y de crecimiento. La Banda Sonora es la bandera del film con temas que le dan más vigorisidad.Canciones que despiertan estados de ánimo e invitan a reflexionar El entretenimiento está asegurado, la sinceridad nos enganchara y hará que queramos saber más. Nos despertará el adolescente y nos confirmará que el plantel de actores jóvenes en el cine independiente americano es de alta alcurnia.
LO MEJOR: Enma Watson es el amor platónico que todos hemos tenido LO PEOR: Falta valentía por parte del director para abordar el tema de la enfermedad mental del personaje
La película se filmó en el área metropolitana de Pittsburgh, desde el 9 de mayo hasta el 29 de junio de 2011. El rodaje inicial dio lugar en South Hill y Upper St. Clair, también se rodó en la escuela secundaria Peters Township. Las escenas de los personajes en el teatro viendo The Rocky Horror Picture Show fueron filmadas en The Hollywood Theater en Dormont, esta escena se debe a que Stephen Chbosky (guionista) había visto esa película en dicho teatro cuando era más joven.
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